Mappe di mille momenti

Le opere di Nunzio De Martino sono allo stesso tempo pittura astratta, superficie tessile, tattile, a volte letteralmente come un rilievo formato da punti di filo stratificati. Da un lato, il materiale e il metodo rimangono gli stessi, cioè tela, fili, macchina da cucire, le cuciture risultanti formano linee, strati, a volte increspati dall'artista lasciando perforazioni - segni di aghi in un ritmo di macchina come pause calcolate da un metronomo. D'altra parte, ogni sua opera è una testimonianza della lotta tra le sue mani, la materia e la macchina che strattona la tela con un ritmo costante.

Strategie di visualizzazione

Le opere di Nunzio De Martino hanno la capacità di creare un'impressione onirica. La superficie sembra tutt'altro che piatta, i colori tutt'altro che semplici, la composizione tutt'altro che scontata. Hanno il fascino di un elemento vivido che trasporta l'immaginazione come un'immagine che rivela qualcosa di reale ciò che sembra non essere disponibile a occhio nudo. Sebbene possa sembrare una promessa di rappresentazione della realtà, questa funzione mimetica, o il dilemma dell’autosufficienza dell’immagine, chiaramente non è il caso del lavoro di De Martino, almeno non in senso letterale. Può darsi che l'osservatore lasci intuitivamente che le associazioni giochino nella memoria di immagini provenienti da altrove, in particolare di ciò che si vede con il supporto tecnico di un microscopio o di un telescopio dando uno sguardo sorprendente su altri livelli di realtà che altrimenti rimarrebbero sfuggenti o del tutto invisibili . Le scienze esatte utilizzano la grafica come strumenti esplicativi, interpretando forme e strutture delle onde sonore, dello spettro luminoso, delle molecole, dei fenomeni fisici e processi chimici. Grazie alla divulgazione della ricerca scientifica, queste immagini non sono una curiosità, ma una parte della cultura visiva quotidiana di un essere umano moderno e istruito. E nonostante tutto, non smettono di ispirare e affascinare. Non c’è dubbio che soprattutto l’arte astratta, il design e l’architettura debbano molto a questi immaginari e a queste ricerche in entrambi i sensi: riproduzione formale di forme e ritmi, ma anche come risonanza spirituale al progresso tecnico e consapevolezza dell’esistenza di strutture nascoste siano esse della pelle fenomeni tissutali o cosmici.

Fotografia

Nei tempi moderni l'immagine basata sulla tecnologia è quasi sempre accompagnata dal mezzo fotografico, ma non è identica ad esso. Ci sono diversi punti riguardanti la fotografia che sono rilevanti nel rapporto con De Martino. La sua prima occupazione professionale dopo la laurea all'Accademia d'arte è stata la fotografia. Esiste una connessione profonda e complessa tra la fotografia e la pittura astratta, che alcuni potrebbero identificare con la pellicola in bianco e nero e l'alterazione dei colori nel processo. La fotografia dispone di una serie di formalità effetti come sfocare l’immagine attraverso il movimento, manipolare la messa a fuoco, e quindi giocare con la profondità dell’immagine e rivelare o addirittura intensificare le trame delle superfici, quest’ultima portata dalla sensibilità di De Martino a un livello completamente diverso nelle sue tele.

Astrazione

Non esiste una genealogia unica dell'astrazione nell'arte, tuttavia il collegamento con le immagini tecniche e la fotografia è certamente una delle sue possibili radici così come la pittura di paesaggio con la sua nozione di spazio e la funzione essenziale di uno stato d'animo catturato. Tra i pochi titoli esistenti delle opere di De Martino, ve ne sono alcuni che alludono al paesaggio o che si autodefiniscono semplicemente così, che evidenziano il suo legame con la pittura e l'esperienza dello spazio. Un'altra forte parentela con l'astrazione, soprattutto con quella celebrata in America La pittura della fine degli anni Cinquanta e Sessanta è una scelta rigorosa di limiti formali: le tele utilizzate dall'artista sono sia con fondo bianco che nero e raramente solo tela grezza. Esiste un importante corpus di opere che utilizzano solo il nero, il bianco e il rosso (filo), che sono la combinazione più basilare e più antica della cultura umana. Ridurre la tavolozza al cromatismo arcaico nasce dal desiderio di riflettere sull'origine e sul fondamento stesso della percezione culturale dell'immagine come avvenne per Barnett Newman con la serie programmatica 'Chi ha paura del rosso blu e del giallo' ( 1966-70) come contemporanei definiti primari colori. La scelta dei colori di De Martino è stata però ispirata dalla curiosità psicologica di vedere come gli esseri umani fin dall’inizio dei tempi hanno percepito il nero, il bianco e il rosso come primi colori nella cultura, e non ciò che insegna la moderna scienza della fisica, né ciò che il paradigma modernista impone nell’arte. Anche se i colori dei fili di poliestere presentano una notevole varietà, l’enfasi sullo strato di base è cruciale nelle opere di De Martino. Molte tele sono cucite da frammenti separati, spesso producendo combinazioni con elementi dominanti in bianco e nero. Il principio della base bianca o nera ha portato anche a molte composizioni monocromatiche.

De Martino realizza le sue opere seguendo innanzitutto un processo sensuale e intuitivo, anche se sarebbe esagerato attribuire loro il galateo dell'astratto basato su una performance aleatoria. Il suo gesto personale è visibile mentre le linee di cucitura serpeggiano attraverso la superficie. Potrebbero ricordare i cosiddetti dipinti con la spatola di Gerhard Richter, ma nonostante i forti parallelismi e l'affinità generale con il lavoro di Richter, De Martino utilizza la macchina da cucire costringendola a seguire la sua mano per ridurre la casualità e la rigidità del disegno.

movimento automatizzato. Sarebbe più giusto dire che l’opera di De Martino può essere astratta e trae sicuramente la sua legittimità dai capolavori storici, ma appartiene al 21° secolo con la sua sensibilità e sensualità. Non è così a causa degli strumenti e dei mezzi che utilizza, ma a causa delle questioni culturali di oggi. Cucendo insieme frammenti, pensando a strati e ricomponendo, l'artista ha creato un metodo che la dice lunga sull'uso e il riutilizzo delle risorse, spingendo la tela ai suoi limiti materiali mentre sfrutta le perforazioni prodotte dalla macchina per svelare le tracce delle cuciture slacciate. I punti vuoti lasciano un disegno delicato ritmato dal ritmo veloce della macchina, ma invece di sagome o forme si dissolve in una rete di cuciture.

Pittura

La creazione di immagini è un processo che implica un continuum e il pensiero per strati, non per forme o motivi. È visibile l'oscillazione tra il creare l'immagine come atto e il crearla come un incidente dovuto all'uso diretto di una macchina da cucire senza uno schizzo esatto preesistente. Sorprendentemente, con l'applicazione di questo mezzo, le opere astratte su tela celebrano il ritorno dell'elemento pittorico e della cromia che sembra essere assente nella pittura astratta della seconda metà del XX secolo, attirata dalla grammatica concettualista a concentrarsi sull'idea di una griglia, ready-made e riferimenti simbolici delle forme.

Ogni punto di perforazione e ogni cucitura di poliestere manifestano l'azione e l'intenzione dell'artista dietro la macchina, sopra la tela, la sua presenza è quella di un pittore. Anche se tecnicamente le opere d'arte sono ricoperte principalmente da fili di poliestere, dopo tutto sono dipinti.

La conoscenza dei primi lavori, degli sforzi inediti che precedono la produzione finalmente riconosciuta come arte compiuta, spesso potrebbe essere utile. Il percorso di De Martino non è unico, ma sicuramente non è nemmeno molto comune. Essere un fotografo professionista non gli ha impedito di giocare con la pittura e altri media per il proprio divertimento e soddisfazione. Non c'è traccia del passaggio dalla fotografia alle tele cucite, poiché al momento ha deciso di dedicarsi alla propria pratica artistica lontano dalla fotografia commerciale, sapeva già a cosa aspirava, il suo linguaggio visivo era maturo ed era pienamente consapevole del potenziale della macchina da cucire e della tela.

Cartografie

Ogni mappa è il risultato di un'astrazione. L'insieme dei dati selezionati viene tradotto in interpretazione visiva, in modo che l'immagine possa essere letta. La cartografia come altre immagini supportate dalla tecnica e dalla tecnologia rivelano altre dimensioni della realtà abitata. Ovviamente le opere di De Martino non fanno riferimento ad alcuna realtà fisica ad esse esterna. Tuttavia l'associazione è più profonda dell'impressione di una somiglianza superficiale. Le sue opere sono registrazioni dei passi di un ago che vaga nel territorio della tela, accumulandosi linee che potrebbero somigliare all'insieme di frontiere e sentieri che si muovevano centinaia di volte rappresentati simultaneamente in un'unica immagine. Strati che si sovrappongono a strati dalla vista a volo d'uccello della terra fantastica. Non esiste mappa senza memoria, ma queste immagini sono innanzitutto tracce e registrazioni di movimenti, quindi non memoria di uno spazio ma memoria di un tempo. Se i dipinti di De Martino sono come mappe, allora sono una mediazione invece che una rappresentazione, più come un portale o uno specchio che come un insieme di dati quantificati. Un viaggio e una storia però sono quelli di chi guarda.

Musica

Linee di cuciture colorate scorrono attraverso la superficie, si incrociano, si sovrappongono e si armonizzano. Guardarlo ricorda l'ascolto del free jazz o più in generale di un'improvvisazione musicale. L'immagine ha una presenza attraverso la sua composizione, colore, scala e vibrazione dell'insieme. Performative alla radice e irriverenti nei confronti della simmetria e della griglia modernista, le tele di De Martino rendono omaggio all'elemento dionisiaco dell'arte. Le opere di piccole e medie dimensioni sono come estemporanee, mentre le serie di tele di recente creazione che superano i 4 mq fanno esplodere le dimensioni del corpo umano e hanno un'energia travolgente di una presenza sinfonica nello spazio.

Il 2024 segna un anno in cui l'ispirazione musicale si è esplicitata nella mostra … sofferte onde serene… omaggio a Luigi Nono riferendosi alla leggenda dell'avanguardia musicale italiana e, in particolare, al suo omonimo pezzo per pianoforte e registratore del 1976 considerato un'importante trasformazione fase delle sue composizioni. … sofferte onde serene… rispecchia la ricerca di un equilibrio interiore del vivere tra sofferenza e serenità.

In un’intervista Nono una volta disse della musica contemporanea: “è come ascoltare il vento. Si sente qualcosa che passa ma non si sente l'inizio, non si sente la fine e si percepisce una continuità di assenze, presenze ed essenze indefinibili. Le parole chiave citate, questioni di continuità e indefinitezza, accompagnano costantemente il lavoro di De Martino.

L’interesse per la musica nasce dalla riflessione sia sulla percezione sinestetica delle opere di De Martino sia sul processo di creazione dell’immagine, che prevede che la macchina imponga un ritmo e media l’output come se fosse suonato. L'intensità del lavoro visibile nelle opere d'arte dà l'idea di un processo in cui l'artista ricerca il giusto equilibrio, ricordando a un musicista che accorda lo strumento, cerca una buona sequenza, accordo o tema che crei una base interessante per un'ulteriore crescita compositiva. quasi organicamente attorno a questo. Le melodie e la scala sono caratterizzate da metafore di colori e proprio come nella notazione musicale il silenzio è scandito dalla pausa, così la perforazione nella tela che rimane dopo le cuciture slacciate ha una simile corrispondente qualità di silenzio e vuoto.

Coreografia per macchina da cucire

Lo strumento della macchina da cucire e il suo artista che opera attraverso le mani e il corpo è un dispositivo di sismografia intima. L'antinomia della libertà si manifesta nelle condizioni di campo d'azione limitato e di mezzi limitati del mezzo applicato. L'entusiasmante sfida di lavorare con la macchina è il risultato della lotta contro di essa, producendo un

immagine che è una negoziazione tra un disegno e un “errore” dovuto allo strattone del movimento automatizzato. L’essenza del metodo è una giocosa interruzione della macchina, simile alla poesia concreta, come ad esempio nel kein fehler im system [nessun errore nel sistema] di Eugen Gromringer del 1969:

La resistenza della macchina come pesante apparecchio meccanico è un'esperienza che è stata cancellata dalla vita quotidiana da quando lo sforzo fisico è stato ridotto al massimo dalla tecnologia, tanto che la macchina da scrivere non è sostituita solo dal computer con una agevole tastiera elettronica o touchscreen ma soprattutto con un'interfaccia vocale che cancella completamente lo sforzo fisico. L'arte è sempre stata sensibile al progresso tecnologico, ma difficilmente ha resistito all'ebbrezza delle false promesse che i nuovi media stavano portando.

L'hype dell'arte digitale finisce finalmente come una febbre, da quando il digitale è diventato solo una parte dell'esperienza profana della vita. La meccanica e il fatto a mano, anche se percepiti sempre più come eccezionali, aiutano le persone a riconnettersi alla dimensione fisica e ad apprezzare la meraviglia dell'unicità. Una storica disillusione del quantificabile e del puramente concettuale nell’arte segna un vicolo cieco della sperimentazione formale d’avanguardia con la disintegrazione del colore, del gesto e della materialità, e introduce un ritorno del romantico nell’astrazione contemporanea di cui le opere di De Martino sono un grande esempio.

Pelle

Reinventare la materia dopo i media digitali è un'esperienza condivisa che va oltre la distinzione tra arte e vita. Dimensione tattile della materia, l'impressione della tela cucita e forata dà l'impressione di una pelle e non solo di una semplice superficie. La trama spessa e irregolare dell'opera d'arte è una registrazione visiva dei movimenti passati, della forza applicata dell'ago come una pelle che conserva segni unici del tempo e della struttura del suo tessuto. Non dimentichiamo che le immagini vengono appiattite dalla riproduzione fotografica per motivi di stampa. La pelle è uno scudo che protegge il corpo, e il tessuto conserva simbolicamente lo stesso significato e un sapore quasi arcaico. La lacerazione e la perforazione del tessuto hanno un simbolismo quasi rituale e un argomento eccezionalmente ricco per la psicoanalisi e l'antropologia. Sembra che Lucio Fontana da un lato e Günther Uecker dall’altro siano stati in grado di trasformare questo potenziale in posizioni di rilievo nell’arte contemporanea, fornendo un corpus di opere influenti che risuonano nelle tele di De Martino.

La pelle guarisce il taglio con una cicatrice. L’atto di ricucire la superficie non è forse un desiderio di curare una ferita? Per tenere insieme tutti i frammenti e ricordare anche se la memoria potrebbe sembrare un palinsesto?

Konstanty Szydlowski